Toute personne qui s'est intéressée à la mode de l'Ancien régime, en particulier au XVIe et au XVIIe siècle a pu se rendre compte combien il était difficile de trouver un livre qui donne des informations précises sur l'évolution du costume et une typologie exhaustive des différents vêtements et accessoires portés dans les sociétés d'autrefois. La recherche était vaine, car ce livre n'existe pas.

Il faut l'avouer d'emblée, dans le domaine du costume, notre connaissance est encore limitée. La faute en revient à la dispersion des sources iconographiques (mais Internet y remédie) et aux lacunes des sources textuelles qui, pourtant, ne manquent pas. De fait, les ouvrages sur le costume sont très souvent hypothétiques, équivoques, imprécis, voire erronés ; c'était principalement le cas des ouvrages de vulgarisation.

La bibliographie raisonnée que je propose dans cet article se rapporte essentiellement aux ouvrages les plus récents. Ne sont mentionnés que les ouvrages que je connais (mais j'entends bien à ce que la bibliographie soit la plus complète possible) et ceux qui se rapportent à l'Ancien régime, et principalement les XVIe et XVIIe siècles.

Après la présentation commentée des principaux ouvrages de vulgarisation, je mentionne les principales publications issues des travaux de chercheurs. Elles sont essentielles puisque ce sont elles qui assurent le renouvellement des connaissances qui se font sur le costume (et le vêtement) sous l'Ancien régime ; monographies, actes de colloques, articles de périodiques ; le lecteur y trouvera des informations parfois très précises (typologie, dimension sociale, évolution, etc.).

Comme les Anglo-saxons ont une certaine avancée dans l'étude du costume, je mentionne également quelques ouvrages en anglais. Je tiens enfin à préciser qu'on peut encore trouver des informations intéressantes, notamment sur le plan iconographique, dans les ouvrages d'art et les catalogues raisonnés des oeuvres d'artistes (dessinateurs, peintres, etc.).

Dictionnaires

• LELOIR Maurice, Dictionnaire du costume et de ses accessoires, des armes et des étoffes des origines à nos jours, Paris, Gründ, 2012

  On peut présenter l'auteur de cet ouvrage, Maurice Leloir (1953-1940), comme celui qui fait figure de père pour l'Histoire du costume. En son temps, il était considéré comme l'un des principaux experts en la matière et son dictionnaire publié quelques années après sa mort, en 1951, a longtemps servi de référence ; depuis sa parution, l'ouvrage a été réédité à trois reprises. Le seul regret qu'on peut avoir est que l'auteur ne prend pas la peine de définir systématiquement les mots ; les définitions sont en effet souvent imprécises. Elles sont révélatrices des lacunes terminologiques qui posent régulièrement problème en histoire du costume (je pense au XVIe et XVIIe siècle principalement) ; le dictionnaire de Maurice Leloir mériterait d'être largement réactualisé.
  

  
  

• GEORGE Sophie, GUERIN Caroline et DUCHEMIN Léopold, Le vêtement de A à Z, encyclopédie thématique de la mode et du textile, éd. Falbalas, 2011

• GEORGE Sophie, CLAUDE Armelle et GONNET Isabelle, Les accessoires de A à Z, éd. Falbalas, 2008

• GEORGE Sophie, RABILLER Eric et GONNET Isabelle, Les accessoires de A à Z, volume 2, éd. Falbalas, 2008
  
  Ce sont des dictionnaires qui se rapportent principalement à l'époque contemporaine (XXe et XXIe siècle), mais comme les définitions sont de très grande qualité, elles peuvent aider à trouver le mot juste pour décrire les formes vestimentaires de l'Ancien régime. Elles constituent un complément très utile au dictionnaire de Maurice Leloir. Ce sont des petits manuels que je recommande beaucoup !
  

   

• BOLOMIER Eliane, DUMONTHIER Jean, GAUDIN Jean Pierre et MOREL Pierre, Encyclopédie du couvre-chef, Lyon, Samedi Midi Editions, 2008
  
  C'est un ouvrage qui tente de recenser et de présenter tous les couvre-chefs existant ou ayant existé, en France, en Europe et partout dans le monde. On y trouve de tout.
  

 Principaux ouvrages de vulgarisation
et livres de type encyclopédique

Ce sont des livres qui traitent pour la plupart du costume dans sa globalité, c'est-à-dire depuis les origines jusqu'à nos jours. Ils sont présentés ci-dessous par ordre décroissant de publication.

• GEORGE Sophie et PUMON Renée, Modes du XVIIe siècle, sous Louis XIV, éd. Falbalas, coll. « Empreintes de mode », 2012

• BENILAN Annabel, GEORGE Sophie et KURKDJIAN Sophie, Mode du XVIe siècle, sous Catherine de Médicis, éd. Falbalas, coll. « Empreintes de mode », 2010
  
  A travers la collection dite « Empreintes de mode », les éditions Falbalas ont le projet de publier un ouvrage instructif sur chaque grande période de l'histoire du costume (ce qui manquait jusqu'à présent). Les règnes de Catherine de Médicis et de Louis XIV ont déjà fait l'objet d'une parution ; d'autres sont prévues sur la mode sous François Ier et sous Louis XIII. La collection a la particularité de replacer le costume dans son contexte historique et d'être illustrée par des dessins en couleur.
  

• VENIEL Florent, Le costume médiéval de 1320 à 1480, la coquetterie par la mode vestimentaire XIVe et XVe siècles, Bayeux, Heimdal, 2008

Bien qu'il n'entre pas dans la cadre chronologique de ce blog, je recommande la lecture de ce livre dont le contenu en fait un ouvrage de vulgarisation à part : l'illustration est abondante et éclaire intelligemment le texte. L'exposé a le mérite d'être précis, clair et surtout - ce qui est rare - d'être très bien sourcé.

• BOUCHER François, Histoire du costume en Occident de l'Antiquité à nos jours, Paris, Flammarion, 2008.
  
  Par sa masse et ses innombrables illustrations, cet ouvrage de référence a la dimension d'une encyclopédie. Son succès l'a amené à être réédité plusieurs fois (un lexique a été ajouté dans la dernière édition). Personnellement, je suis assez critique sur l'utilisation des images. Les illustrations ont le défaut d'être très dispersées et de ne pas constituer un échantillon représentatif des différentes périodes de l'Histoire. Faute de cohérence avec le texte, les images n'aident pas le lecteur à comprendre l'évolution de la mode ; on peut même dire qu'elles le perdent.
   

• RUPPERT Jacques, DELPIERRE Madeleine, DAVRAY-PIEKOLEK Renée, GORGUET-BALLESTEROS Pascale, Le costume français, Flammarion, 2015 

  Dans le domaine du costume historique, c'est un manuel qui fait partie des classiques. Le livre a des origines assez anciennes puisqu'il a d'abord été publié sous forme de fascicules en 1931. L'introduction de l'édition actuelle nous informe que son auteur Jacques Ruppert, peintre et costumier, était un collaborateur de Maurice Leloir ; il partageait avec ce dernier le même intérêt pour l'historicité des costumes et le partage des connaissances auprès des artistes et costumiers.
  Depuis sa première édition, l'ouvrage a plusieurs fois été remanié et parfois augmenté (ci-dessous à droite, les couvertures des anciennes éditions : celles de 1990, toujours sous forme de fascicules ; et celles de 1996 et 2007).
  Malgré le fait qu'il couvre toute l'histoire du costume, des origines à nos jours, il reste très pratique pour saisir les modes du XVIe et XVIIe siècles. Sa dimension synthétique en fait une excellente base de connaissance.

• VIGOUREUX-LORIDON Jean-Noël, Histoire illustrée du costume, introduction visuelle, Samedi Midi Editions, 2006

C'est un livre qui se définit comme une introduction à un grand projet de publication de type encyclopédique ; pour le moment seule l'introduction est parue, mais l'auteur a prévu de publier une suite en plusieurs volumes (on l'attend avec impatience). Le contenu se présente essentiellement sous forme de dessin ; chaque époque est présentée par un personnage accompagné de notes nommant et expliquant les éléments du costume dont il est habillé.

• AUBRY Viviane, Costumes, Tome II, Sculptures de l'éphémère, 1340-1670, éd. Desclée de Brouwer, coll. « Rempart », 1998

C'est un livre dont les limites chronologiques se calquent très bien avec celui de mon blog. L'ouvrage est servi par des illustrations très simples mais efficaces.

  Monographies et actes de colloques

• DURANTOU Alix, Grandes cornes et hauts atours, Le hennin et la mode au Moyen Age, Paris, Ecole du Louvre, 2019

• PARESYS Isabelle et COQUERY Natacha (éditeurs), Se vêtir à la cour en Europe (1400-1815), Villeneuve d'Ascq : Institut de recherches historiques du Septentrion et Centre de recherche du château de Versailles, 2011
  
  
• BOLOGNE Jean-Claude, Histoire de la coquetterie masculine, Paris, Perrin, 2011

• LE GALL Jean-Marie, Barbes et moustaches XVe-XVIIIe siècles, Paris, Payot, 2011

• THÉPAUT-CABASSET Corinne, L'Esprit des modes au Grand Siècle, Paris, Éditions du CTHS, 2010

• ARIZZOLI Pierre et GORGUET-BALLESTEROS Pascale (dir), Fastes de cour et cérémonies royales, Le costumes de cour en Europe (1650-1800), cat. d'expo. (Versailles, 31 mars-28 juin 2009), Paris, Réunion des musées nationaux éditions, 2009

• PARESYS Isabelle (dir.), Paraître et apparences en Europe occidentale du Moyen Age à nos jours, Presses universitaires du Septentrion, 2008

• VIALLON Marie, Paraître et se vêtir au XVIe siècle, actes du XIIIe colloque du Puy-en-Velay, Publications de l'Université de Saint-Etienne, 2006

• BLANC Odile, Parades et parures, l'invention du corps de mode à la fin du Moyen Age, Gallimard, 1997

• DELPIERRE Madeleine, Se vêtir au XVIIIe siècle, Paris, Société Nouvelle Adam Biro, 1996

• PIPONNIER Françoise, Se vêtir au Moyen Age, Paris, Société Nouvelle Adam Biro, 1995

• ROCHE Daniel, La culture des apparences, une histoire du vêtement (XVIIe-XVIIIe siècles), Paris, Fayard, 1990

• CEARD Jean, FONTAINE Marie-Madeleine et MARGOLIN Jean-Claude, Le Corps à la Renaissance, actes du XXXe colloque de Tours (1987), Paris, Aux amateurs de Livres, 1990

 Périodiques et articles de revue

• Revue de l'art : Costume de cour au XVIe siècle, Paris, Ophrys, n°174/2011-4
• PARESYS Isabelle, « Le noir est mis, les puys d’Amiens, ou le paraître vestimentaire des élites urbaines à la Renaissance », in Revue d'Histoire Moderne et Contemporaine, n° 56-3, 2009/03, p. 66 à 91
• DHAILLY Aude, « L'habillement dans le Morbihan au XVIe siècle à partir d'inventaires après décès », in Bulletin de la Société d'Archéologie et de Histoire du Pays de Lorient,  bd 37, 2008/09, p. 65-74
• BAULANT Micheline, « Jalons pour une histoire du costume commun », in Histoire & mesure, XVI - 1/2|2001 (en ligne, ici)
• BARTHES ROLAND, « Histoire et sociologie du Vêtement, quelques observations méthodologiques », in Annales, Économies, Sociétés, Civilisations, 1957, vol. 12, n°3, pp. 430-441

 Ouvrages en anglais

• TIRAMANI Jenny et NORTH Susan, Seventeenth-century women's dress patterns, V & A Publishing, 2011
• ARNOLD Janet, Patterns of fashion, The cut and construction of linen shirts, smocks, neckwear, headwear and accessories for men and women c. 1540-1660, London, Macmillan, 2008
• NORRIS Herbert, Tudor costume and fashion, Courier dover publications, 1997 (1ère édition 1938)
• ARNOLD Janet, Patterns of fashion, The cut and construction of clothes for men and women c. 1560-1620, London, Macmillan, 1985
• SICHEL Marion, Costume reference, 2, Tudors and Elizabethans, London, Batsford, 1977

Article mis à jour le 07/08/2019

Depuis le début de sa diffusion à la télévision en 2008, la série des Tudors a fait l'objet de beaucoup d'éloges. La raison du succès ? un scénario bien ficelé, des mannequins en guise d'acteur, des scènes érotiques très osées et des costumes d'une qualité exceptionnelle.  

Si je n'avais pas encore posté d'article à ce sujet, c'est parce qu'il n'y avait pas grand chose à dire des costumes sur le plan historique. Les producteurs l'ont affirmé eux-mêmes ; les Tudors est une oeuvre de fiction qui relève de l'interprétation ; les costumes procèdent davantage de la création artistique que de la recherche historique.

L'objectif était clair : les Tudors doivent plaire à un public jeune et moderne et pour y parvenir, la série doit donner à la Renaissance un aspect à la fois contemporain, sensuel et glamour. Le message est sans équivoque, les affiches officielles de la série présentent les personnages principaux dans des poses lascives et des tenues légères, très éloignées des principes de représentation de la cour sous Henri VIII (image ci-dessus).

Le public a pu le constater par lui-même ; les acteurs ont été castés pour leur beauté et leur sex-appeal : aucune importance n'a été donnée à la ressemblance physique avec les personnages historiques apparaissant dans la série. Le décalage est énorme entre les portraits du roi Henri VIII, de corpulence importante et le physique svelte et glabre de l'acteur Jonathan Rhys Meyers qui l'incarne (d'ailleurs il est amusant de voir qu'il y a toujours des fans qui ont besoin de se rassurer en se disant que les contemporains du roi disaient qu'Henri VIII était un beau jeune homme dans sa jeunesse ; le témoignage est totalement subjectif et ne correspond pas à ce qu'était le roi à 30 ans, quand il apparaît au premier épisode). 

Pour que la série des Tudors parle au public d'aujourd'hui, les costumes d'époque ont été totalement réinterprétés. De fait, la série donne davantage d'informations sur les tendances du XXIe siècle que sur la mode de la Renaissance. Les marques les plus évidentes de cette transformation sont les coiffures qui n'ont absolument rien du XVIe siècle (image ci-dessous).

***

Dans Les Tudors, la plupart des costumes que porte la reine Anne Boleyn (jouée par Natalie Dormer) sont fantaisistes ; les éléments vestimentaires qui évoquent le passé sont anachroniques,  que ce soit la collerette (qui n'existe pas à son époque), les chapeaux et les mancherons, il n'y a quasiment rien de vraisemblable sur le plan historique (première ligne d'images ci-dessous).

Les autres femmes de la série ne sont pas moins mal loties. Les reines Catherine d'Aragon, Jeanne Seymour et Anne de Clèves ressemblent plus à des princesses de Disney ou à des personnages de science-fiction. L'habillement de Jeanne Seymour est clairement emprunté à Blanche-neige, une manière de présenter la reine comme une oie blanche (deuxième ligne d'images ci-dessous).

Pour saisir l'importance du décalage entre la réalité historique et le monde imaginé dans Les Tudors, il importe d'établir des comparaisons avec d'autres films. Ils furent très nombreux sur cette époque et cette histoire en particulier. Le dernier en date, est sorti en France en 2008 (la même année que le passage des Tudors à la télé) : il s'agit de Deux soeurs pour un roi (The Other Boleyn Girl).

Même si le style des costumes peut toujours être discuté, ces derniers ont beaucoup plus de vraisemblance historique que dans Les Tudors.

Plusieurs aspects vestimentaires méritent d'être salués. Au niveau de la tête, les femmes apparaissent revêtues de la coiffe en gable, caractéristique de la cour des Tudor. Les deux soeurs Boleyn (jouées par Natalie Portman et Scarlett Johansson) portent l'escoffion à la française qu'elles ont ramené de leur séjour à la cour de France (images ci-dessous). La forme de ces coiffes sont d'une précision très réaliste et beaucoup plus fidèle que les accessoires de diadème inventés dans la série des Tudors.

Au niveau des tenues, les femmes portent de larges revers de manche, qui est l'élement vestimentaire omniprésent et la mode caractéristique de la première moitié du XVIe siècle. On ne l'aperçoit que de manière passagère dans les dernières saisons des Tudors.

***

Le caractère fantaisiste de la série des Tudors apparaît également dans le costume masculin. La dimension érotique recherchée par les producteurs ressort à travers l'usage abusif du cuir. Avec son pourpoint noir et ses longues bottes, ou ses pantalons en cuir qui lui moulent les cuisses, Jonathan Rhys Meyers incarne un roi très Rock'n roll (image ci-contre). Pour les lecteurs qui l'ignorent peut-être, le style Rock'n roll est apparu au XXe siècle et n'a rien à voir avec la Renaissance (je le dis sans ironie, parce qu'il y a des personnes qui ne le savent pas forcément). Les Tudors sont à la limite de la fantasy ; l'allusion à des films de science-fiction comme Matrix saute aux yeux dans l'une des images officielles de la saison 3 (image ci-dessous).

Dans la conception des costumes des Tudors, il y a évidemment une inspiration du style Renaissance, mais malheureusement, les éléments vestimentaires inspirés du XVIe siècle, sont anachroniques. L'habillement ne renvoie pas à la mode de la cour d'Henri VIII mais plutôt à celle de la reine Elisabeth Ière. Il y a dans la silhouette générale, un anachronisme de plusieurs décennies. Le roi porte des pourpoints et des hauts-de-chausse apparents et courts (image ci-dessus), alors que sous Henri VIII, les gentilshommes portent surtout la saie, une tunique qui descend jusqu'au genou ; le reste de la silhouette est le plus souvent camouflé par un très gros manteau qu'on appelle la chamarre. Cette dernière apparaît dans la série mais dans des coupes qui ne relèvent pas de la mode de l'époque (plutôt celle des générations suivantes). Quant à la tunique, elle apparaît plus rarement dans les dernières saisons, mais dans des formes et des matières totalement réinventées. Le pourpoint est omniprésent dans la série, alors que c'est plutôt une mode de la seconde moitié du siècle. Sous Henri VIII, le pourpoint est d'abord un vêtement de dessous qui se porte sous un collet ou une tunique.

A contrario de la série des Tudors, les costumes masculins du film Deux soeurs pour un roi, illustrent très bien les tendances de l'époque d'Henri VIII : des vêtements amples et lourds, incarnations de la fastuosité et de la magnificence propre à cette période. La mode est à la silhouette large ; les hommes doivent en imposer par leur carrure. Le roi Henri (joué par Eric Bana) apparaît presque toujours avec sa superbe chamarre doublée de fourrure et étoffée de volumineux mancherons (ligne d'images ci-dessous). Ce sont ces énormes mancherons qui manquent à la série des Tudors.

On ne peut manquer aussi d'apprécier la présence constante des couvre-chefs sur la tête des personnages. Alors que dans Les Tudors, la plupart des hommes apparaissent nu tête, dans Deux soeurs pour un roi, le roi ne quitte guère son chapeau, accessoire indispensable pour tout monarque qui « se produit » en public (un peu comme le sac à main de la reine d'Angleterre aujourd'hui) : le chapeau contribue à renforcer la majesté du souverain.

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Pour terminer, je laisse ci-dessous un montage représentant les deux acteurs principaux de la série des Tudors dans des costumes d'époque (et une corpulence plus importante pour Jonathan). Je vous laisse apprécier - ou pas - ce que l'usage d'un costume réaliste aurait pu donner...

Les années 1580

En France

Le haut-de-chausses se porte très court durant toute la décennie 1580.

La première tendance identifiable est le phénomène d'aplatissement. Le haut-de-chausses des années 70 avait une découpe trapézoïdale avec un fond plat et des bords saillants (première figure à gauche ci-dessous). Celui des années 80 adopte une silhouette plus discrète. Il se rabat sur les hanches dont il semble presque épouser la forme. Son volume est aplati (figure ci-dessous à droite).

Ce phénomène d'aplatissement se remarque bien sur les costumes des scènes de bal peintes sous Henri III (images ci-dessous). Le haut-de-chausses paraît presque s'enrouler autour de la cuisse des gentilhommes.

Cette forme étroite et aplatie explique peut-être la nécessité qu'ont eue les hommes de porter sur les cuisses, des chausses longues et étroites, allant jusqu'au genou : les canons. La mode d'associer les deux vêtements n'est pas nouvelle mais elle semble se confirmer dans les années 80. Sur les images ci-dessous, les canons sont tailladés d'une multitude de petits crevés parallèles. C'est une réminiscence des années 1530 (voir le portrait de Charles Quint plus haut).

Le haut-de-chausses est si court que placé sur les hanches comme il est, il laisse le bas des fesses à découvert. Cela explique probablement l'appellation qu'on lui donne à cette époque : le culot ¹.

Si le gentilhomme ne porte pas de canons (comme sur l'illustration à gauche), le bas fait apparaître de façon moulante les formes galbées des fesses.

Sur le devant, la proéminente braguette de l'ancienne mode a laissé la place à une coquille. 

Le culot est indissociable de la silhouette générale du costume ; le haut-de-chausses s'encastre comme une pièce de puzzle sous le pourpoint qui déborde en pointe vers le bas de façon proéminente ; c'est le pourpoint à panseron. Resserré à la taille, mais boursouflé en pique sur le devant, le pourpoint donne au buste de l'homme une allure de guêpe que vient renforcer la forme tassée et étroite du haut-de-chausses.

Contrairement à ce que les scènes de bal peuvent laisser penser, ce n'est pas un habit réservé aux soirées dansantes, ni un costume de carnaval. L'image ci-contre peinte par le flamand Hieronymus Francken, émigré à Paris, montre ces mêmes gentilhommes en « habit du dimanche », dans un jardin d'agrément (ci-contre).

Avec le pourpoint à panseron, le culot entre dans cette catégorie de vêtements fantaisistes, dont le caractère stylé nous échappe aujourd'hui, mais qui, à l'époque, faisait la classe du gentilhomme élégant.

La même pièce apparaît sur les costumes sombres et austères imposés par Henri III à sa cour. Le roi avait fixé des règles très strictes en matière d'étiquette et les courtisans devaient s'y conformer sous peine d'amendes². Le culot s'aperçoit sous la ceinture, tantôt sans canons, tantôt avec des canons (figures de gauche et de droite ci-dessous).

 Cette mode est également adoptée par les gens  du peuple. Vous en avez des exemples sur les illustrations ci-contre, avec un marchand parisien (à gauche) et un colporteur (à droite). 

 En Angleterre

On retrouve la même mode en Angleterre.

Les années 1590

 En France

La principale évolution des années 1590 réside dans l'agrandissement des trousses. La mode revient à des tailles qui rappellent les tendances des années 1570-1575 (renouvellement cyclique de la mode).

Les trousses adoptent une ligne rectangulaire (par opposition à la forme ronde des années 1560, devenue complètement désuette). Cette nouvelle ligne s'explique par la platitude du haut-de-chausses qui n'est pas ou peu ballonné. Dans la continuité des années 1580, le culot reste relativement plat, ce qui le rend différent de celui porté avec les mêmes dimensions dans les années 1570.

Les trousses apparaissent souvent sous une forme souple et bouffante.

Portraits d'Henri de Guise (portrait posthume des années 1590 ?) et portrait d'Henri IV vers 1600

Le premier porte des trousses en tissu souple et bouffant ; le second est habillé de façon plus solennelle et porte des trousses formées de plusieurs bandes resserrées.

En Angleterre

La mode anglaise n'étant pas très différente de la mode française, l'observation des portraits anglais s'avère très utile pour saisir les différentes facettes du haut-de-chausses français. Comme en France, les trousses ont tendance à se présenter sous une forme bouffante, mais ce que revèle particulièrement bien le portrait anglais, c'est qu'elles se portent souvent par-dessus des canons (sortes de bas qui recouvrent les cuisses). C'est une constante sur les portraits anglais, mais c'est une mode que l'on le retrouve également en France.

La suite de portraits présentée ci-dessous montrent l'agrandissement des chausses au fil des années et comme en France, elles gardent une forme rectangulaire.

Il existe également un type de haut-de-chausses particulier, couvrant d'un seul tenant le haut des cuisses, y compris au niveau de l'enfourchure. Ce serait ce qu'on appelle le boulevard (ou boulevart), autrement dit la pièce qui fait tout le tour du bassin sans interruption.

Le boulevard trouve peut-être son origine dans l'habillement militaire. On le voit sur les portraits représentants des jouteurs (image ci-contre) et il est mentionné pour cette fonction au XVe siècle.

Sa taille et sa forme suivent la mode des années 1590 : allongement sur les cuisses et mise en forme rectangulaire(exemple d'évolution avec les deux portraits ci-dessous).

En Europe espagnole

Ce sont dans les pays sous influence espagnole que se perçoit le mieux l'allongement de la forme des trousses. Cette tendance va se développer partout en Europe dans les années 1600, preuve semble t-il du maintien de l'influence de l'Espagne sur la mode.

Notes

1. Edmond Huguet, Dictionnaire de la langue française du 16e siècle, 1934.

2. Jacqueline BOUCHER, Société et mentalités autour de Henri III, Paris, Honoré Champion, coll. « Bibliothèque littéraire de la Renaissance », 2007. Et sur l'étiquette à la cour de France, voir également Monique CHATENET.

Les années 1570

 En France

La principale évolution des années 1570 réside dans le rétrécissement des trousses. Par opposition aux formes hypertrophiées des années 1560, la mode revient à des tailles beaucoup plus courtes. L'évolution est assez perceptible sur les portraits français, entre la première moitié de la décennie et la seconde.
 

La deuxième tendance générale de la décennie est le changement de forme. Par réaction aux lignes rondes et ovales des années 60, les trousses s'aplatissent et prennent une forme trapézoïdale. C'est la mode de la chausse en bourse. La chausse n'est rembourrée que dans sa partie inférieure.

Cette tendance s'observe sur les portraits avec des assimilations différentes, mais se confirme au fur et à mesure que les trousses se réduisent en taille. Il y a un processus de structuration du haut-de-chausses.

  Années 1570-1575

Sur ce dessin de la fin du règne de Charles IX, époque de la Saint-Barthélemy, le duc d'Anjou (futur Henri III) porte, sous son armure, des trousses qui ont la forme trapézoïdale caractéristique de cette époque.

En-dessous de ces trousses, il porte au niveau des cuisses, une sorte de culotte plissée assez moulante. C'est ce qu'on appelle le canon.

Les bas-de-chausses sont tenus par des jarretières.

  Années 1575-1580

Sur les portraits de la seconde moitié de la décennie, le haut-de-chausses se réduit de manière considérable. Il est à noter qu'il conserve sa forme trapézoïdale.

Son fond devient complètement plat et semble même se creuser. Le bord inférieur se plie et rebique légèrement, donnant au haut-de-chausses un effet aérien (ce qui le différencie du haut-de-chausses des années 1540 qui est court comme lui, mais qui a une forme allongée et qui épouse la forme des cuisses).

Le haut-de-chausses peut se présenter dans des dispositions de matières différentes. Dans le tableau de la Femme entre deux âges (vers 1575), le jeune homme est habillé d'un haut-de-chausses en satin qui n'est pas recouvert de bandes (image ci-contre à gauche).

En Europe

La mode de la chausse en bourse de forme trapézoïdale touche toute l'Europe occidentale et impériale. Là aussi, la tendance est au raccourcissement de la chausse. 

Les gravures montrent la taille et la forme du début de la décennie (1570-1575). 

Les figures colorées d'hommes en armes présentées ci-dessus sont tirées d'un traité sur le maniement des armes (Trattato sul maneggio delle armi), un ouvrage italien dédicacé au roi Henri III vers le milieu des années 1570 (le manuscrit est conservé à la Bibliothèque nationale de France). Elles offrent sur les chausses une série de point de vue différents.

Même si les figures portent toutes un habit identique, on peut remarquer quelques différences au niveau de la toque, et du haut-de-chausses.  Dans les chausses, la forme prédominante est celle de la chausse en bourse. Mais on y trouve aussi le style plus classique, celui qui épouse la forme des cuisses. C'est la tendance de la génération précédente, celle du milieu du siècle, désormais désuète, mais probablement plus adaptée pour une pratique sportive. 

L'image ci-contre montre les deux formes juxtaposées : l'une allongée le long des cuisses qui est la forme obsolète et l'autre rembourrée en bourse, qui fait la mode du moment.

Comme toutes le formes ringardes, cette forme aplatie sera remise à la mode dans les années 1580 mais selon une nouvelle configuration.

Présentation de la mode de la collerette ouverte en décolleté

sur la gorge ou la poitrine de 1560 à 1600

Les origines

La collerette désigne la pièce de tissu froncée ou plissée, placée au bord de l'encolure et entourant le cou. Elle apparaît dans le courant des années 1530 et 1540, avec la mode du col montant. 

Elle naît du développement du ruché du col de la chemise, c'est-à-dire de ses bords froncés.

Le présent article s'attachera à présenter les collerettes qui s'ouvrent sur la gorge ou la poitrine.

En Italie vers 1530

Aux Pays-Bas vers 1540

 En Angleterre vers 1557

Les années 1550

En France

La collerette se présente sous deux formes. La première n'est pas sans rappeler les décolletés à jabot : le plissé suit le bord du décolleté, autour du cou et devant la poitrine (première ligne de portrait ci-dessous). Cette forme, caractéristique de la mode française (si l'on en croit les portraits) possède des traits communs avec le décolleté italien. Elle n'apparaît en France que pour les années 1550 uniquement (c'est-à-dire sous le règne d'Henri II). En revanche, elle se voit beaucoup sur les portraits italiens pendant toute la seconde moitié du XVIe siècle.

La deuxième forme de collerette portée en France dans les années 1550 est plus classique. Elle se porte au bout d'un col dont les deux pointes se présentent écartées (deuxième ligne de portrait ci-dessous).

La collerette ouverte est composée de plis qui se développent avec les années. Comme pour la fraise, elle devient godronnée à la fin de la décennie (et comme pour la fraise, ses rebords sont brodés).

La collerette se porte également sur la pélerine ; la pélerine est un par-dessus qui recouvre les épaules, et qui est très courant sur les portraits des années 1550 (ci-contre et ligne de portraits ci-dessous). Les plis froncés bordent l'encolure de la pélerine et viennent se juxtaposer à la collerette de la guimpe.

Les années 1560

En France

La collerette continue de s'épanouir. La taille et la forme de ses godrons suit en parallèle la même évolution que ceux de la fraise.

La mode de la guimpe qui s'était imposée dans les années 1550 semble atteindre son apothéose dans les années 1560. C'est du moins ce que présentent le portraits de cette époque. Le décolleté est pour ainsi dire quasi absent ; même si, devant la poitrine, la guimpe se fend parfois légèrement en deux.  Le collier (qu'on appelle aussi le carcan) se porte par dessus la guimpe.

Aux Pays-Bas

Les femmes du Nord portent une collerette dont l'évolution est quasiment identique à celle de la mode française (on saisit mieux sur les portraits ci-dessous, l'agrandissement des godrons au fur et à mesure des années), mais leurs portraits plus austères exposent moins la guimpe blanche posée grâcieusement sur les épaules, comme elle est de mise à la cour de France.

 En Angleterre

La mode anglaise se distingue des autres pays par ses collerettes à double rang, ses rebords brodés, et sa forme particulière : Contrairement à la collerette en France et aux Pays-Bas, les pointes du col se rapprochent au lieu de s'écarter, et la collerette dépasse et cache les oreilles.

Les années 1570

En France

Les années 1570 sont marquées par le retour important du décolleté. Les épaules restent toujours couvertes par la guimpe, mais celle-ci se fend largement en deux, laissant le haut de la poitrine en partie découvert. Le collier qui se portait au-dessus de la guimpe, se porte désormais en-dessous, à même la peau.

L'autre tendance dominante de cette époque est l'épaisseur importante de la collerette. Par la taille démesurée de ses godrons et l'orientation de ses plis, elle continue de suivre l'évolution de la fraise. Ceci explique l'aspect massif de la rangée de godrons au milieu de la décennie.

Vers 1573, les plis se dressent pointés vers le ciel, enserrant de près le visage (deuxième ligne de portraits ci-dessous), puis, dans la seconde moitié de la décennie, comme pour la fraise, ils s'allongent sur les côtés (quatrième ligne de portraits ci-dessous).

L'effet visuel rendu par cette évolution est celle d'une collerette qui semble fleurir au fur et à mesure du temps. C'est la la naissance de la collerette en éventail.

De 1570 à 1575

Vers 1575

De 1575 à 1580

Chez les femmes enceintes, les veuves, et les dames âgées, la collerette peut évidemment se porter sans trop de décolleté, légèrement ouverte sur la gorge ou pas du tout (galerie de portraits ci-dessous).

En Europe

Aux Pays-Bas

En Italie

Les années 1580

En France

La collerette en éventail connaît dans les années 1580 son déploiement maximal. C'est à cette époque une mode propre à la cour de France, portée et mise en vogue par les reines Marguerite de Valois et Louise de Lorraine (respectivement représentées ci-dessous dans les médaillons).

Comme pour la fraise, la mode est aux plis plats. Mais faute de portraits datés, il est difficile de saisir une évolution précise. Les différents portraits présentés ci-dessous sont regroupés par technique artistique (gravure, peinture et dessin).

  En Italie

Seule l'Italie semble adopter une mode proche de celle de la France, mais sans en connaître ses excès. L'Angleterre des années 1580 se caractérise par une absence quasi totale du décolleté dans le portrait (ce qui ne signifie pas que les Anglaises n'en portaient pas). 

Les années 1590

En France

Pour les mêmes raisons que la décennie précédente, il est difficile de saisir l'évolution de la collerette à l'année près. Les années 1590 constituent la période de transition pendant laquelle la mode de la collerette passe le relais à celle du collet monté ; les formes qui apparaissent sur les portraits sont d'une grande diversité et cette diversité nuit à la compréhension des tendances.

L'évolution majeure des années 1590 concerne la forme. La collerette des années 80 s'épanouissait en s'allongeant sur les côtés. Celle des années 90 prend un sens totalement inverse. Il se réduit sur les côtés, le premier pli est plus court que ceux qui suivent derrière lui. Cette mode donne à la collerette la forme d'un fer à cheval.

Au niveau de la forme des godrons, la collerette semble se calquer encore sur la fraise. Sur l'un des portraits présentés ci-dessous, les plis présentent un aspect ellipsoïdal, comme ceux que présente la fraise dans la première moitié de la décennie (détail ci-contre).

Au cours des années 1590, le collet monté remplace progressivement la collerette. Parfois, les deux se portent superposés l'un sur l'autre (peinture de la deuxième ligne de portraits ci-dessous). La forme en fer à cheval demeure.

En Angleterre

Bénéficiant d’un contexte politique plus agréable, la mode anglaise reprend à son compte ce qui avait fait la caractéristique de la mode française. Elle arbore les décolletés, avec le port de collerettes en éventail particulièrement imposantes. 

Présentation de la mode de la fraise des années 1560 à l'an 1600

Dans son sens le plus strict, la fraise désigne les collerettes plissées ou godronnées faisant le tour complet du cou, fermées sous le menton et constituant un vêtement indépendant de la chemise (ou de la guimpe). Sous cette définition, elle ne semble pas apparaître avant les années 1560.

Dans son sens le plus souple, le mot inclut les collerettes simplement froncées, cousues sur le rebord de la chemise (ou de la guimpe) et faisant le tour du cou.

Les origines

La fraise apparaît avec le déclin du grand décolleté carré. Au cours des années 1540, la poitrine et les épaules sont progressivement couvertes par une guimpe ou une pèlerine. Le col fait son apparition ! La gorge se couvre d'un col montant qui cache peu à peu le cou sur toute sa hauteur. Les bords de ce col sont d'abord froncés, plissés (première image ci-dessous), puis, à la fin des années 1550, godronnés (deuxième image ci-dessous).

Le godron est le nom donné au pli rond. Pour lui maintenir sa forme ovoïde bien régulière, on applique sur le tissu un fer brulant et/ou on l'empèse avec de l'amidon (colle qui permet de le raidir). On parle alors de fraise empesée ou amidonnée. Les plis deviennent plus ou moins rigides.

 Aux Pays-Bas vers 1550

Aux Pays-Bas vers 1555-1560

Les années 1550

En France

A l'origine, la collerette présente un enchevêtrement libre de plis froncés. Avec le temps, les plis deviennent plus importants en volume et c'est de ce développement qu'une fois empesée, va naître la fraise godronnée.

Les rebords des plis sont parfois brodés.

En Europe

La mode anglaise se distingue par la broderie de ses collerettes (deuxième ligne de portrait ci-dessous), caractéristique qui se voit encore sur les portraits anglais des années 1570.

Pays-Bas

Angleterre

Les années 1560

 En France

A partir des années 1560, la collerette est godronnée ; elle présente une suite régulière de plis ronds de forme ovoïde, donnant l'impression d'une rangée de "8" successifs. Plus on avance dans le temps, plus les godrons prennent du volume.

En Europe

La mode anglaise continue de se distinguer par le rebord brodé de ses collerettes, mais aussi par leur composition. La fraise anglaise a l'originalité de présenter souvent deux rangées superposées de godrons, ce qui se retrouve rarement ailleurs (deuxième ligne de portrait ci-dessous).

En Italie

En Angleterre

Les années 1570

En France

C'est dans les années 1570 que la fraise connaît les métamorphoses les plus impressionnantes en volume. Dans la première moitié de la décennie, elle s'étend verticalement ; les godrons continuent de s'élever en hauteur, cachant finalement le cou dans toute sa longueur. Au milieu de la décennie, les plis apparaissent en éventail en-dessous de la tête, formant comme un énorme bloc.

Dans la seconde moitié de la décennie, la fraise s'étend horizontalement, les plis s'allongeant sur les côtés : la fraise s'élargit. A la fin de la décennie, elle est si large qu'elle ressemble à un grand plateau : la grande fraise fait ainsi progressivement son apparition. La mode féminine est proche en cela de la mode masculine, ce qui ne sera plus le cas à partir des années 1580, la fraise des femmes suivant alors une évolution distincte de la fraise portée par les hommes.

La décennie est également marquée par l'usage important de la dentelle, parfaisant l'effet délicat de la collerette. Devenue une pièce indépendante (c'est-à-dire détachée) de la chemise et de la guimpe, la collerette fermée mérite pleinement à cette époque le nom de fraise.
 

De 1570 à 1575

Vers 1575

De 1575 à 1580

 En Angleterre

La collerette anglaise suit les évolutions de la fraise française, tout en gardant parfois ses spécificités décoratives : rebords brodés, voire même perlés. De plus, l'ouverture de la fraise sous le menton est parfois apparente, alors qu'elle est camouflée dans la mode française (sur l'observation des portraits).

Dans le reste de l'Europe

Alors que la mode des Pays-Bas suit les logiques de la mode française (première ligne de portraits ci-dessous), celle de l'Italie espagnole suit un modèle tout à fait différent, en présentant notamment sur ses portraits une fraise beaucoup plus modeste en taille et en volume (deuxième ligne de portraits ci-dessous). La fraise grandit mais sans connaître les formes et les excès de la fraise française.

Aux Pays-Bas

En Italie

 Les années 1580

En France

Faute de sources iconographiques datées, il est plutôt difficile d'établir une évolution précise de la fraise pour les années 1580. Sa circonférence continue encore de s'agrandir mais ce n'est pas la métamorphose majeure de cette période. La nouveauté principale consiste plutôt dans l'ouverture de la collerette sur le devant de la poitrine ; les plis s'écartent sous le menton, formant une ouverture comme un V inversé. La collerette présente désormais l'image de deux ailes de papillon. Après avoir été cachée pendant deux décennies, la gorge refait son apparition.

Cette disposition nouvelle est peut-être une réponse aux incommodités de la grande fraise, beaucoup trop volumineuse pour accéder à la bouche, que ce soit pour s'alimenter, pour porter un verre à ses lèvres ou encore pour embrasser ; l'ouverture de la fraise devant le visage est peut-être une adaptation pratique pour en contourner les contraintes. Nonobstant cet aspect encombrant, la grande fraise godronnée ne disparaît pas, elle continue de se voir sur les portraits durant toute la décennie (première ligne de portraits ci-dessous).

L'autre évolution dominante de la fraise des années 80 concerne la forme des plis ; jusqu'à cette époque, la forme des godrons n'avait pas évolué, gardant toujours une forme en lacet ou en 8. A partir des années 80, les plis s'aplatissent horizontalement au point de disparaître complètement ; c'est la mode des plis plats, la collerette s'aplatit et tend à se confondre avec un collet monté (deuxième ligne de portraits ci-dessous).

A la fin de la décennie, la mode des plis plats semble décliner. Les godrons reviennent, soit sous une forme ronde, soit sous une forme triangulaire (ci-contre). S'il y a peu de portraits datés qui peuvent en servir d'illustration, l'observation des portraits des années 1590 (en particulier anglais) permettent de confirmer cette inversion de la tendance ; l'époque est à l'hypertrophie (voir les années 1590).

 En Angleterre

L'Angleterre est le seul pays à partager les tendances originales de la mode française. Aux Pays-Bas, les portraits présentent une fraise de dimension plus mesurée.

 Aux Pays-Bas

  Les années 1590

  En France

Pour les mêmes raisons que la décennie précédente, il est difficile de saisir une évolution précise de la fraise. Plusieurs tendances générales sont perceptibles ; la plus importante est que la gorge est dégagée et mise à nu (héritage de la mode des années 80), laissant voir le collier de perle au-dessus de la fraise, et non en-dessous comme dans les années 1570. La fraise des années 1590 découvre le cou autant que la fraise des années 1570 le cachait.

La deuxième tendance générale de la fraise est sa circonférence irrégulière ; les plis sont courts sur le devant et redressés en hauteur sur les côtés. Cette forme semble règler le problème d'aisance posé par la grande fraise, bien que celle-ci se porte toujours. Par ailleurs, au niveau de sa largeur, la fraise n'a plus la démesure des années 1580. Dans les années 1590, sa circonférence diminue de beaucoup.

Les transformations de la mode se manifestent également sur la forme des godrons. Au commencement de la décennie, les plis présentent une forme complètement cylindrique, donnant à la fraise l'aspect d'une collerette formée de tuyaux (portrait ci-contre).Ces tuyaux semblent prendre une forme ellipsoïdale dans le courant de la première moitié de la décennie (première ligne de portraits ci-dessous).Il est ensuite plus difficile de saisir l'évolution de la forme des plis, à cause de leur diversité sur les portraits ; en observant ces derniers, on peut constater le retour des godrons traditionnels formant une rangée de "8". En réaction aux énormes plis, on a des godrons de petite hauteur (deuxième ligne de portraits ci-dessous) et des godrons parfaitement ronds (troisième ligne de portraits). Puis, la fraise se réduit en largeur (quatrième ligne de portraits).

  En Angleterre

Est-ce le contexte des guerres de religion qui fait que les formes les plus extravagantes de la mode se rencontrent non pas en France mais à l'étranger ? Depuis l'assassinat d'Henri III en 1589, la cour de France s'était dispersée et le pays tout entier avait sombré dans le chaos et l'anarchie. Le contexte était nettement plus enviable en Angleterre. Depuis l'échec de l'Invincible Armada en 1588, le royaume d'Elisabeth traversait une période d'épanouissement qui lui valut l'appellation d'âge d'or.

Les portraits semblent confirmer l'éclat de cette période. En réaction à la mode des plis plats, les plis forment des tuyaux d'une amplitude impressionnante (portrait ci-contre). On y trouve comme en France la mode des tubes circulaires et ellipsoïdaux et la mode de la fraise ouverte sur la gorge.

 En Italie

Au XVIe siècle, la fraise italienne n'a pas la démesure de la mode anglaise et de la mode française. On observant les portraits, on constate que c'est avec un retard de quelques années que la mode italienne adopte les godrons de grande amplitude qui caractérisent tant les années 1590 dans les pays du Nord. L'hypertrophie de la fraise devait pourtant devenir la caractéristique de la mode italienne au début du XVIIe siècle.

La collerette

La collerette désigne la pièce de tissu froncée ou plissée, placée au bord de l'encolure et entourant le cou.

C'est un élément de la mode emblématique de la fin de la Renaissance. Elle apparaît dans la seconde moitié du XVIe siècle et se porte jusqu'au début du XVIIe siècle. Son succès touche toute l'Europe ; elle est portée à la fois par les femmes et par les hommes, les adultes et les enfants, les classes nobles et populaires. Pendant presque un siècle, elle présente une grande variété de forme, évoluant dans le temps, selon les tendances propres aux pays, selon le statut social des personnes et leur mode de vie.

Pour en saisir l'évolution dans la mode féminine, il convient de distinguer deux types de collerettes: la collerette ouverte sur un décolleté et la collerette fermée qui a donné la fraise. Le blog présentera tour à tour l'évolution détaillée de ces deux types de collerette¹.

Evolution de la collerette ouverte sur un décolleté

Evolution de la fraise

Evolution générale en France

Pour toute recherche de patrons et d'explications sur la réalisation des collerettes et des fraises, je vous renvoie à l'ouvrage suivant : Janet Arnold, Patterns of fashion, The cut and construction of linen shirts, smocks, neckwear, headwear and accessories for men and women c. 1540-1660, London : Macmillan, 2008.

Le livre abonde en illustrations qui permettent de comprendre la confection des collerettes (en particulier la fraise du XVIIe siècle, en Europe du Nord).

Notes

1. Il s'agit d'une nouvelle présentation de la collerette, faite à partir de plusieurs articles postés en 2008.

J'écris cet article pour accompagner la vidéo que j'ai posté le mois dernier sur l'évolution de la mode, depuis les années 1550 jusqu'aux années 1610, dans sa version fraisée.

Chaque décennie est représentée par une image. Ici encore, il s'agit surtout de présenter l'évolution de la coiffure et de la collerette et de manière très générale celle de la robe.

Pour les années 1550, l'encolure de la robe reste carrée avec une ligne en arceau. La nudité des épaules s'efface sous une pièce de toile blanche appellée guimpe (image ci-dessous). Le cou s'éclipse derrière un col montant. C'est le froncement des rebords de ce col qui donnera naissance plus tard à la fraise.

Les changements interviennent surtout au niveau des manches ; les bras se dotent de mancherons ; c'est une réaction contre l'ancienne mode des grandes manches à revers ; la traditionnelle robe française n'est désormais plus portée que par les dames âgées, principalement (image ci-dessus à gauche).

Dans les années 1560, la fraise est formée de godrons réguliers qui deviennent de plus en plus grands (image ci-dessous). La coiffure est celle de la coiffure en raquette ; la cornette attachée à l'escoffion se fait plus rare. Les toques plates finissent par être remplacées par des chapeaux haut-de-forme et des bonnets bouffants. Les manches gonflent au niveau des épaules mais restent serrées aux poignets : c'est la mode des manches en gigot...

Les années 1570 constituent une sorte de rampe de lancement pour la mode française ; tout s'accélère : la silhouette s'affine, le corps piqué se rigidifie, et les vêtements gonflent. Bien que la fraise soit très changeante  -ce qui était à la mode hier, devient ringard le lendemain - son évolution peut quasiment se saisir à l'année près. La fraise prend de la hauteur, séparant la tête du buste, puis à la fin de la décennie, elle s'étend au point de présenter la tête comme posée sur un plateau. Les cheveux s'élèvent en raquette : au sommet de la tête, derrière la coiffure, se cache un bonnet orné en son centre d'une aigrette.

Les années 1580 sont dominées par l'hypertrophie du costume. Les manches sont ballonnées ; elles se présentent en bouillon, tailladées en petits crevés, puis fendues. Le buste est prisonnier d'un corps baleiné qui se comprime en pointe, encadré par les plis d'une robe bombée ; c'est la mode du corps piqué en pointe et du vertugadin en bourrelet.

La collerette qui a atteint sa taille maximum, se fend en deux, dégageant le cou. Bien qu'il soit difficile d'établir une évolution précise, faute de sources iconographiques datées, on peut constater que les plis de la collerette s'aplatissent, puis quelques temps plus tard, en réaction, ils s'arrondissent.

Au commencement des années 1590, la fraise est formée par une succession de tuyaux complètement cylindriques. Elle revient ensuite à un aspect plus simple, rappelant des formes déjà portées. Elle se rétrécit. Le collier de perle se porte généralement  au-dessus de la fraise. La coiffure continue son élévation, formant à la fin de la décennie une coiffure en pain de sucre, ou en mitre.

Si les manches reviennent à des formes normales, la robe conserve en revanche sa forme volumineuse. Elle semble même prendre davantage de contenance. Le vertugadin en bourrelet se recouvre d'un volant froncé, puis devient un vertugadin plat, donnant à la robe une forme de tambour.

Dans les années 1600, la fraise se fait plus rare sur les portraits. Face au succès du collet monté (col Médicis), la fraise s'étiole...

Elle continue pourtant de se porter au commencement des années 1620. Ce sont les derniers renouvellements avant sa complète disparition. Le vertugadin laissé en héritage par le XVIe siècle finira lui aussi par fondre. Quant à la coiffure, depuis le début du nouveau siècle, sa masse s'affaisse...

Je vous livre aujourd'hui la version fraisée du diaporama sur la mode 1550-1610. Comme pour le précédent, j'en ferai un article pour présenter les différentes images qui le composent.

Il est possible que je reprenne dans les semaines à venir l'ensemble des articles sur la fraise, afin de les mettre à jour et d'améliorer leur présentation.

J'en profite pour signaler que j'ai renouvelé l'image présentant les trois différents types de vertugadin (ci-dessous).

Comme je l'avais annoncé, je prépare une nouvelle vidéo sur la mode du second XVIe siècle. Après le costume en décolleté, ce sera le costume en fraise.

Voici quelques images. Elles concernent les années :

1560   

1570 - 1575 

1580 - 1585

1590     

1600